jueves, 1 de diciembre de 2016

RORY GALLAGHER: "TATTOO" 1973


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Los irlandeses deben de tener el alma para esto del Rock And Roll hecha de otra pasta. Sino que alguien me explique a tres fenómenos como Phil Lynott, Van Morrison o Rory Gallagher...¿Bono has dicho? Jajajaja! Dejémoslo para otro día ¿Ok?

Hoy toca hablar de Rory y sus compinches; Lou Martin, Gerry McAvoy y Rod De´Ath; y de uno de sus mejores trabajos. Entre el "Irish Tour 74" y "Tattoo" me he decidido por este último, un trabajo espectacular registrado por unos tíos en un estado de gracia al alcance de los Stones de la época, por más o menos importancia que se les haya otorgado.

La versatilidad de Rory ya venía de los tiempos en los que tocaba con Taste, pero en solitario va a explotar todas las virtudes con las que fue alumbrado más las que fue adoptando a lo largo de su vida. Veremos como el rockero de la chupa vaquera es capaz de jugar con el Blues, Blues Rock, Jazz, Folk o Prog Rock sin perder la compostura y encima demostrando el tío que es un vocalista solvente no, lo siguiente.

"Tatoo´d Lady" es algo más que un Rock And Roll boogie buen rollero. La culpa la tiene el fraseo parloteado de Gallagher, un piano que se te mete por el cerebro hasta jodertelo, un solo asesino de Rory, y un bajo/batería de McAvoy/De´Ath realmente destructivo. El tema te deja completamente KO.

Pero no hay tregua posible colega, "Cradle Rock" sigue en plan terremoto de sacudida destructiva en la escala de Ritcher. Ante las tremendas sacudidas implosivas de Rithm & Blues Hard Rock reinventado del que estarían orgullosos sus creadores, es imposible parar de moverse...bueno sí, hay medio segundo a mitad del tema en el que la banda se toma un respiro, si tú no lo haces estás jodido, avisado estás.

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RORY ON FIRE!!!
Blues a piano tendido es "20:20 Vison", y Prog Rock Jazzy "They Don´t Make Them Like You Anymore"; en esta pieza el piano contesta cada fraseado de Gallagher que puntea con habilidad, mientras la sección ritmica "Jazzea".

El Funk Rock en "Livin´Like A Trucker" se funde con el Rock duro. Nuevamente el cuarteto explota sus habilidades en medidos arranques de rabia y atinadísimas pausas. Por contra, "Sleep On A Clothes-Lines" empieza con la furia de un riff a lo Elmore James mutado en Boogie Hard Rock, que la voz aguardentosa del de Ballyshannon corta, tanto o más que su quehacer guitarrero o el de sus compenetrados compañeros de faena.

El dominio que Rory ejerce sobre su guitarra le hace llevar a "Who´s That Coming" hacia el Rock sureño, el acompañamiento de los McAvoy y cia vuelve a ser sobervio. Seguro que Duane Allman estaría orgulloso al escuchar este tema; soñemos con una jam de ambos allá arriba...

"Million Miles Away" es como un baúl lleno de objetos que no te esperabas encontrar. Lo que puede parecer un Blues Rock normal sabes que no puede serlo en las manos de estos tipos, y así es...

...Casi siete minutos de música tan pasional como la del tema que cierra el disco, "Admit It", Un Rock duro a base de ritmicas rabiosas, guitarras infecciosas y pianos alborotadores. La traca final para un tatuaje que queda marcado a fuego en cada uno de los que hemos tenido la suerte de escucharlo.

George A. Custer








jueves, 24 de noviembre de 2016

THE ROLLING STONES: "GOAT HEAD SOUP" 1973 "IT´S ONLY ROCK´N ROLL" 74 "L.A. FORUM" 75


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BESA LA CABRA!
Y llegó el día, no podíamos seguir ignorándolos más. Quizás "Beggar´s Banquet", "Let It Bleed" o "Sticky Fingers" lo merecían más, pero...¿Por qué no su undécimo disco en Reino Unido, decimo tercero en USA?

El caso es que tenía que ser uno en el que Mick Taylor fuese el guitarrista, así que "Goats Head Soup" tenía alguna papeleta, no todas, pero sí unas cuantas...quizás "Silver Train", y que hacía muchos años que no me ponía el disco decantaron la balanza a su favor. 

Para que os hagáis una ídea, cuando el vinilo empezó a sonar las canciones saltaban de lo lindo por el polvo acumulado, así que un pequeño baño con una yema de jabón y un buen trapo hicieron el resto...

Cuando "Dancing With MR.D" hizo acto de presencia la magia brotó esta vez sí, sin saltarse notas, todo parecía seguir en su sitio; ese riff alcoholico de guitarra tan Stoniano, el píano sucio de Nicky Hopkins, la voz sensual y super viciada de Jagger y el Funk en la base ritmica de Watts y Wyman. El estribillo memorable, invita a lo mejor, pero también a lo peor que podamos pedirle o sacarle a nuestro cuerpo, una calcamonía que queda marcada a fuego cada vez que repites con "Mr.D".

Los Stones venían de tocar el cielo, y puede que el infierno con el controvertido y celebrado "Exile On Main ST", el doctorado en drogadicción y ego máximo (posiblemente) para la banda, así que cuando te das de bruces con "100 Years Ago" quizás pueda parecerte un tema menor, la banda, Humble Pie, o los Faces podían tener mejores temas; aun así la canción tiene ese baño dorado que la hace brillar como si fuese un lingote de varios quilates. 

Nicky vuelve a juguetear con su piano en la melancólica "Coming Down Again" pero es sustituido por Billy Preston para "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)", un As que los Stones van a soltar encima de la mesa, otra medallita que colgarse de su repleta solapa de éxitos y temazos. En el tema hay elementos del incipiento Funk Rock setentero y del Rock canallesco Stoniano, rematado por un solo imperfecto-pluscuamperfecto de Mick Taylor y una letra sobre tiroteos y sobredosis en New York.

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"Angie" es "Angie", cualquier tipo normal que haya leído una revista de Rock and Roll o no, seguramente que la conocerá. La balada cantada lastimeramente por un Jagger que cuenta un desamor con varias hipótesis como partida, fue número uno en USA y cinco en una Inglaterra de la que los Stones habían huído para no pagar al fisco de su majestad. Canción machacada hasta la saciedad en emisoras rockeras o de Pop, un clásico que se ha vuelto cansino, por eso algunos preferimos la mística que desprende "Coming Down Again"; es lo que tienen los temas menores.

Con el mítico "Stu" al piano "Silver Train" es el laboratorio para disfrute de Mick Taylor y su Slide guitar. Cualquier Stone puede llegar a impresionar si, pero Taylor siempre suele llevarse la palma. Adoro a Ron Wood, claro que sí, pero Taylor es mi músico favorito de la banda, junto a Jagger claro, que está memorable cantando ese "Silver Train" que nos deja en "Hide Your Love", Blues Rock "In The Twilight Zone" para muchos mortales, con un piano demoledor de Nicky Hopkins y un regusto góspel.

"Winter" recupera la balada para la cara b del disco. Mucho más stoniana que "Angie" y con abundante orquestación, excelsas guitarras y excelso Jagger ¿Quien dijo que Jagger no sabía cantar?

Los Stones se marcan una extraña maravilla con "Can You Hear The Music". Los efectos cuasi robóticos de las guitarras y de algunos fraseos de Jagger, y el piano de Nicky Hopkins le dan ese emboltorio tan estrambótico pero que sigue sonando genuinamente Stoniano.

El final queda para la simpar "Star Star", todo lo que son los Stones, modus operandi, vida y milagros y demás tropelías stonianas quedan reflejadas en cuatro minutos y veinticinco segundos de desenfreno rockero que sólo esta banda sabía ofrecernos cuando la cosa les iba rodadas; como no podía ser de otra manera.

General Custer ¡Rides Again!

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STONES ON TOUR 73!






SÓLO R´N´R PERO NOS GUSTA!
Sólo un año pasó hasta que los STONES tuvieron nuevo material y casi a Ron Wood amarrado como nuevo guitarrista en detrimento de Mick Taylor, al que dejó de pagársele una suma importante de dinero pese a ser parte de la mayoría de canciones del nuevo álbum, aunque viniese firmado enteramente como solía ser lo normal por "The Glimmer Twins" (el pseudónimo que Jagger y Richards adoptaron apartir de este disco cuando actuaban de productores).

La salida de Taylor y la entrada de un Wood que ya había participado en el tema que titula el disco, retrasó un año la gira de sus satánicas majestades por USA, sería en el 75, cuando la banda recobraría un lugar en el podio del Rock And Roll copado por The Who y Led Zeppelin.

Las nuevas diez canciones van a contar con los colaboradores habituales del universo stoniano, los Billy Preston, Nicky hopkins, Ian Stu...

Los hermanos Jones (Andy y Glyn) trabajarían en las mezclas y en la ingeniería de sonido de un disco que sonará más contundente y rockero que "Goat Head Soup", pero que no obtuvo tanto éxito y recibiría tíbias críticas en comparación no sólo con el mencionado, también entraban en la terna "Sticky Fingers" o "Exile On Main St", los dos discos referencia en la década de los setenta para muchos seguidores de la banda.

Mi opinión es que "I´ts Only Rock´n Roll" cierra la era dorada de la banda, pese a que "Some Girls" es un magnífico disco, ya estará en otro contexto músical, diferente al de canciones como "If You Can´t Rock Me", que abría con un marchamo Stoniano infernal el álbum, con una contundencia y un sonido muy poderoso.

Si bien el disco es menos Funk y Soulero que el anterior, creo que ambas facetas se han diluído en el Rock que la banda nos ofrece en "Ain´t Too Proud To Beg"(adaptación de los Temptations), tema cuyo comienzo es el arquetipo sonoro del debut de los Black Crowes y de parte del primer material de los Quireboys, bandas que tendrán su momento dos décadas más tarde.


El tema título, nuevo himno para la colección, declaración de principios, y puñetazo de aviso de que los Stones vivían únicamente para ello, para seguir siendo aclamados como en la portada del nuevo disco, palidos, emergentes en un nuevo mundo o en uno antiguo, pero siempre como aclamados reyes del ego y la condescendencia.

Las baladas siguen dentro de la música del grupo, aunque ni "Till The Next Goodbye" ni "If You Really Want To Be My Friend" alcanzarán ni un ápice de la popularidad de una "Angie" cuya sombra era demasiado alargada.

"Time Waits For No One" tampoco parece uno de los platos fuertes, seis minutos y medio que serían de lo más descafeinados si no salen al rescate Taylor con un estupendo solo de guitarra y un brillante piano de Hopkins.

"Luxury" nos muestra a los Stones menos inspirados de la década dentro del estudio junto a alguno de los temas del siguiente álbum "Black And Blue", afortunadamente "Dance Little Sister" nos devuelve a unos Rolling resucitados, nos quita el susto del cuerpo a base de básico y rotundo Rock And Roll, machacón pero demasiado repetitivo.

El Funk aparece en la final "Fingerprint File", un tema super caliente, donde Wyman y Watts se lo curran y en el que las guitarras son pasto del wha wha (será una de las casi fijas de la gira del 75), cerrando un trabajo menor, con altibajos, pero puramente Stones.

General Custer Rides Again!



Entre el nueve y el trece de Julio del 75 los Stones ofrecieron una serie de Shows en Los Angeles que quedaron oficialmente registrados en uno de los volúmenes de la serie "Rolling Stones From The Vault".


"L.A. FORUM (LIVE IN 1975)" recoge lo mejor de unos conciertos en los que la banda defendía parte del material de "It´s Only Rock´n´Roll"; canciones como la que titulaba el disco eran trituradas por la maquinaria stoniana, que ofrecía "Ain´t Too Proud To Beg" o la exhuberancia Funk de "Fingerprint File".

Naturalmente no faltan a la cita "Honky Tonk Woman" que abre la velada, temas del "Exile" como "All Down The Line" o "Rip This Joint"; incendiarias tomas de "Brown Sugar", "Star Star" o "Gimme Shelter"; o clásicos de clásicos como "Street Fighting Man", "Jumpin´Jack Flash" o "Simpathy For The Devil".

El disco es triple, conteniendo además el dvd del concierto de la noche del día doce con algunos temas que no salen en los vinilos; a saber, "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)", "Wild Horses" y los "That´s Life/Outa-Space" junto a Billy Preston.

Los Stones salen a darse un baño de Gloria con "Honky Tonk Woman", con Jagger escalando hacia un escenario que se transforma en la proa de un barco glamuroso con una banda totalmente Glam.

Hay varios momentos remarcables: "Star Star", "You Gotta Move" con Billy Preston ayudando en tareas vocales, "If You Can Rock Me" con Jagger haciendo la croqueta por el escenario o un impagable "Happy" donde Richards lleva la batuta.




jueves, 17 de noviembre de 2016

BON JOVI: "7800º FAHRENHEIT" 1985

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Imagino que a Bon Jovi le tirará de los huevos (hablando en plata ) lo que cuatro heavies chochos cuarentones tengamos que decir sobre su segundo disco. Lo mismo más o menos, que algunos de esos cuarentones pensamos de sus últimos lanzamientos, que ni sabemos como se llaman, ni nos importa demasiado.

De todas formas, hay que decir que este disco que os traemos hoy, ni siquiera es el favorito de casi nadie, otros  cuatro gatos mal contados entre los que me vuelvo a encontar, le vemos la gracia a un disco publicado en el 85, año en el cual "Invasion Of Your Privacy" o "Theatre Of Pain" salían a competir con el disco de Jovi, y que en general tuvieron buenas reseñas pese a no ser tampoco dos discos de los más queridos por sus parroquianos.

Pero en el 85 si no tenías a Tom Werman, tenías a Spencer Proffer...o que se yo, a Neil Kernon ¿Pero a Lance Quinn??? La verdad es que no se quien es ese tipo, pero si quieres un producto con un sonido 80´s de verdad, pocas cosas vas a encontrar más 80´s que 7800º Fahrenheit, por más que le pese a Bon Jovi.

Si estas canciones las llega a coger por banda el Bruce Fairbairn...
...Pero no amigos, Lance Quinn era el que pasaba por allí en ese momento y luego un tal David Thoener mezclo esta maravilla y "Voila", a disfrutar.

Y digo a disfrutar, porque todo aquel que tenga un poco de memoria 80´s, sabe que va a hacerlo desde el comienzo con "In And Out Of Love", un clásico ignorado durante años y que un servidor ignora si a día de hoy el presunto Jon Bon Jovi ha indultado para sus directos.

El himno en sí, es un grito de guerra de puro clembuterol Hard Rock Glam, con un estribillo hiper adictivo y más repetitivo que la lombarda. Poco me importan los himnos que tengan "New Jersey" o el "Slippery" de los cojones, "In And Out Of Love" se las pule y ya está.

Luego, "Price Of Love" es cierto que es cursi de narices, pero es otro entrañable y marchosón serie b de la época, que yo me la imagino en una "Top Gun" o en una "Firefox" persiguiendo cazas rusos de fondo sin darse importancia.

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GIRA FAHRENHEIT POR JAPÓN
En "Only Lonely" si que hay que reconocer que la cosa se sale de madre, a ver, a mi me gusta porque soy fan total del disco, pero ni los arreglos parecían los mejores hace treinta años, ni por supuesto lo parecen ahora; el estribillo duele en el alma, pero rescato el solo de Sambora.

Afortunadamente, se arregla el entuerto con el primer tema del disco compuesto por Jon Bon Jovi y Richard Sambora, "King Of The Mountain". El estribillo se sale por la patilla, rockero y contundente; como la música, que como dicen los clásicos "No hace prisioneros".

La baladita AOR "Silent Night", que empieza con un teclado cutrecillo de David Bryan, aprueba gracias a un inmenso Jon Bon Jovi, que la convierte merced a su enfasis y entrega en un temazo, al menos para un servidor. Fue el último single lanzado del álbum, elegido para las navidades del 85, no ha llovido y tronado desde entonces...

La cara b, o dos, comienza de la mejor manera posible; "Tokyo Road". De nuevo la unión del cantante de jersey y del guitarrista también de la misma ciudad, funciona con precisión en un Hard Rock de ritmos concisos y estribillo cuasi primoroso; otro me temo, gran ignorado.

"Hardest Part Is The Night" tiene el mismo mal que "Only Love", y es que está compuesta a medias con David Bryan al igual que aquella. Esta si que es un truñaco difícil de defender, mejor pasamos a la tercera canción firmada por el cantante y el guitarrista "Always Run To You", Hard Rock Aoreo estándar total, y de la que seguramente Jon Bon guarda un grato recuerdo.

Otro tema que tiene toda la pinta de ser amado por Jovi es "To The Fire"; joder, un puto temazo más hortera que la vida, con ese estribillo "I Don´t Wanna Fall" "To The Fire"!! Memorable ¡Amo esa canción!

7800º Fahrenheit cierra con "Secrets Dreams", el perfecto colofón de un disco al que termina de dar color una portada y una contraportada ochenteramente memorables.

El Hijo de Ron Keel




jueves, 10 de noviembre de 2016

ALICE COOPER: "KILLER" 1971

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Conozco a un montón de seres metálicos por una parte y acérrimos del Hair por la otra que no soportan el antiguo material de Alice Cooper con su grupo, si, el de los setenta, ese que nos dejó varias obras maestras del rock and roll.

Unos se quedan con "Constrictor" y "Raise Your Fist & Yell", y los otros con "Trash" y "Poison"; perfecto, pero no entiendo esa fobia a un artefacto vital para el devenir de ambos estilos en la década de los ochenta.

"Killer" fue el primer disco de la banda que sin llegar a venderse como rosquillas, si que funcionó de puta madre, consiguiendo disco de oro y de platino posteriormente; y eso sin un jodido single que llevarse a la boca. En dos años, la "Alice Cooper Band", pasó casi de mendigar, a establecerse dentro del "Establishment Rockero".

Con los dividendos que fue dejando el álbum, la banda incrementó el atrezzo terrorífico para los conciertos que pasó de la boa que luce la cubierta de "Killer", propiedad de Neal Smith, a la horca con la que se ajusticiaba a Vincent Furnier "Alice Cooper" al final de la canción que titula el disco.

La primera cosa importante que uno nota al escuchar este trabajo, es el pedazo de sonido que tiene. Bob Ezrin que había co-producido "Love It To Death", se encargará en solitario de unas canciones que gracias a su habilidad y a sus consejos se convertirá en un auténtico clásico dentro de la discografía de la banda.

Temas que ganan gracias al aporte de una orquestación; o de unos vientos que en un principio los miembros del grupo no estaban por la labor de introducir, y que al final hacen brillar todavía más a temas como "Under My Wheels" o "Desperado", por citar tan sólo un par de ellos.

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Precisamente, estos dos, que abren y cierran el primer acto de un disco cuasi conceptual basado en un asesino en serie, son de mis piezas favoritas del combo, y eso que han pasado 45 años, y Alice ha grabado un montón de clásicos populares para el Rock, Rock duro e incluso Heavy Metal.

"Under My Wheel", con esa entrada "Stoniana" y garajera, totalmente vacilona, con un riff estupendo y adictivo de Rick Derringer, que encima clava un estupendo solo, y ese saxofón terco como una mula, el estribillo inquebrantable y pegajoso...

..."Desperado", misteriosa y vodevilesca, como tantas otras de Cooper; con ese final apoteósico y su "I´m a killer, I´m a clown, I´m a Priest, that´s gone to town"...memorable!

Entre ellas dos maravillas más, "Be My Lover" y "Hale Of Flies". La primera es un tema rupturista de la temática Psico-killer del álbum. Es un rock and roll soberbio que recuerda en su riff al "Sweet Jane" de la Velvet de Lour Reed, aunque los miembros del combo de Alice y el mismo Alice juran y per juran que nunca habían pensado en la Velvet de la cual no se declaraba fan ninguno de ellos.

"Hale Of Flies" es una "Ballad Of Dwight Fry" mejorada; un puto temazo repleto de arreglos psicodélicos, dementes cambios de ritmo y una letra desasosegante. Fue compuesta inspirada en "21 Schizoid Man" de los King Crimson, Cooper quedó literalmente alucinado con el tema de Fripp y aún más con la puesta en escena que los británicos hacían de ella.

La otra cara de la galleta comienza con el enloquecido "You Drive Me Nervous", un tema que junto al siguiente "Yeah ,Yeah, Yeah" son de los menores y menos exigentes dentro de la discografía del de Detroit y su banda; y quizás también un pequeño bajón después de lo servido en el brutal primer acto.

"Dead Babies" recobra el vodevil, la locura y el terror en una espiral sonora en la que juegan riffs rockeros con arreglos entre las bandas sonoras a lo James Bond, y tratamientos barrocos pop con reminiscencias de los Kinks británicos.

Y finalmente el salto al vacio que supone "Killer" tema, en el que el culpable de todas la barbaries cometidas en cada canción es ajusticiado, en un tema sórdido y opresivo, de fondo prog-rockero y que conecta con el anterior "Love It To Death"; un final de postín para un disco cuatro sobre cinco estrellas.

El Hijo de Ron Keel


jueves, 3 de noviembre de 2016

DOKKEN: 1999-2012 "ETAPA POST-LYNCH, MADUREZ Y DECLIVE DE DON DOKKEN"

El declive de Don Dokken comienza con "Erase The Slate", una decadencia que parece no tener fin por lo poco que se cuida el ínclito músico americano, que por otra parte ha seguido componiendo buena música sin George Lynch, canciones que conforman cinco lanzamientos donde sus cuerdas vocales cada vez más resentidas, van del aprobado en el estupendo "Erase The Slate", hasta el suspenso del entretenido "Broken Bones"; trece años grabando buena música pero martirizando a sus fans en vivo ¿Hasta cuando? Por ahora quedémonos con lo acontecido entre bambalinas.

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1999
Dos años después de George Lynch y "Shadowlife", Don Dokken y sus DOKKEN demuestran que hay vida detrás del genio que grabó los discos clásicos de la banda.

Las seis cuerdas caen en manos del fenómeno Reb Beach, el ex de Winger participará en la composición junto a Mick Brown, Jeff Pilson y Don Dokken del nuevo material. 

Estamos en el 99 y el mundo hace tiempo que no espera nueva música de la banda californiana. Algunas bandas de su época se han ido para ir volviendo una temporada sí y otra no; Dokken siempre han estado ahí, con mejor o peor suerte.

"Erase" será su trabajo peor vendido hasta la fecha pero recupera el 90 % del sonido clásico por el que la banda fue popular en los ochenta. Obviamente el sonido de Beach tiene mucho que ver con ello. El ex de Winger se marca un trabajo tan cojonudo que nunca se echa en falta a Lynch. 

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Con Reb Beach (primero por la izquierda, en la sillita)
El riff inicial del tema título ya deja claro que la banda va a muerte trabajándose el sonido que alumbró a "Turn On The Action" o "Til The Livin´End" quince años atrás. La máquina Pilson/Brown regresa como un "Rocketeer"; ni siquiera Don Dokken la va a cagar, "Change The World", "Maddest Hatter" o "Drown" muestran a un vocalista con una afonía nasal, pero como se pudo ver en la gira del disco, nada que nos llevase a preocuparnos de veras...¡Que pardillos fuimos diantre!

El disco producido en California por la propia banda nos muestra a unos Dokken oscuros en presencia que no en lo esencial que es la música, hay baladas en las que Don se puede permitir algún lujo ("Who Belives") , homenaje a los Beatles con palmas incluidas ("Crazy Mary Goes Round") pero en general el Rock duro metalizado de raíz Pop triunfa gracias estrofas comerciales ("Voices Of The Soul") y estribillos lujosos ("Haunted Lullabye"). 

¿Su mejor disco desde "Back For The Attack"? Para un servidor sin duda, poco me importa la falta de Lynch, ya que sin él la banda seguirá como vamos a ver grabando buenos discos (alguno excelente) con diferentes guitarristas con el añadido del declive vocal de Don. La única pega es que la formación con Reb Beach no nos ofreciese una réplica de este estupendo disco.


Y eso que parecía que había planes...
...O al menos Don sacó a su banda para intentar mejorar en la secuela del criticado directo en suelo nipón de la década ochentera. Eran los días en los que Don no salía a pasearse permanentemente al escenario con el cubata en una mano y el cigarrillo en la otra.

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2000
Noches de "Sold Out" rememorando un pasado glorioso para presentar al nuevo guitarrista con el "Sun Theatre" de Anaheim como testigo.

De su flamante "Erase The Slate", el tema inicial con el que también abrían concierto, disco y dvd ("Live From The Sun" saldría también en ese formato) y "Maddest Hatter". El resto, clásicos populares de la banda entre los que cabe mencionar "Too High To Fly", épico tema compuesto por Don y Lynch que la banda grabaría para "Dysfunctional", álbum labrado en plena vorágine Grunge.

El sonido del directo es bastante cercano al "Bootleg", al menos no parece que la música haya sido retocada en el estudio y da la impresión de que la voz tampoco. La voz de Don está ya elevando "El Canto del Cisne", sin hacer el ridículo actual, todavía potable como queda patente en las nuevas y viejas canciones, de las que hay unas cuantas, "Kiss Of Death", "The Hunter" o "It´s Not Love".

Y por supuesto que Reb Beach es el gran atractivo del directo, la versión dvd mejor, así se puede disfrutar de la pericia de uno de los guitarristas con más pedigree del Hard Heavy mundial, un tío que acaba haciendo suyas canciones que tocadas por Levin siguen pareciendo de Lynch.

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2002
Dos años después Dokken regresan con "Long Way Home", trabajo que tiene como novedades la partida de Reb Beach y la de Jeff Pilson; esta última la más lamentada por los fans, casi a la altura de la partida de Lynch, Pilson no sólo es un buen músico, compositor y cantante, es uno de los tipos más carismáticos del grupo; y su espacio nunca ha sido del todo llenado por su substituto, Barry Sparks.

Junto a Sparks llega un viejo conocido de los fans de Dokken, John Norum; si amigos, el nuevamente guitarrista de Europe regresaba a los brazos de Don, con el que ya había compartido su disco en solitario "Up From The Ashes" en el año 90.

Por lo tanto, el otrora cantante de Los Angeles, volverá a contar con un guitarrista de elevada reputación, con un estilo que difiere al de Lynch o al de Beach, pero que es al igual que ellos un estilista nato del mástil, elegante y muy técnico.

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Sus riffs pueden tornarse oscuros como los que destapa en los últimos Europe, y que en "Long Way Home" pueden virar hacia tendencias más modernas ("Sunless Star" o "You") que las mostradas en "Erase The Slate", aunque no abandona, como debe ser, el "Classic Rock" con el cual se engloba a día de hoy a bandas como Dokken; "Under The Gun" es ese aldabonazo que recuerda a la banda que grabó un día "Tooth And Nail".

"Long Way Home" baja ligeramente la calidad con su antecesor, pero es un trabajo muy disfrutable y ameno que sigo recuperando habitualmente; con un equilibrio perfecto entre canciones duras y medios tiempos cantados más que correctamente por un Don Dokken que empezaría a liarla parda con la gira del álbum; la primera realmente en la que sus fans empezamos a cantar más alto que él sus propias canciones.

¿Canciones destacables? Me quedo con dos temas que pueden pasar perfectamente por Power Pop, "Little Girl" y "Everybody Needs (To Be With Someone)", que lucen y de que manera junto al cover de los Yardbirds "Heart Full Of Soul" o el bonus japo "Dancin (The Irish Song)". Por cierto, Mick Wild Brown seguía aporreando los tambores con la clase y contundencia conocidas y reaparece Michael Wagener como ingeniero sónico.

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2004
Efímera fue la estancia de John Norum en la banda; no problem, Don Dokken se saca de la chistera a Jon Levin, un joven de 38 tacos que ya había grabado con la banda "Dancin (The Irish Song)" para el anterior disco y que en el nuevo trabajo va a demostrar que es un guitarrista de mucho talento.

Ya desde joven Levin demuesta versatilidad como instrumentista, con la trompeta ya de niño, y con la guitarra en la pre adolescencia. Fan acérrimo de George Lynch pero con un sonido pulcro y muy pulido que suena muy personal desde el arranque del disco con "The Last Goodbye", tema de ademanes modernetes pero de estribillo Dokken Classic Style.

Y es que pese a la supuesta modernidad de muchas de las canciones, "Hell To Pay" sobre todo en la primera parte del disco rebosa de calidad y buenas ideas.

Junto al puramente Dokken 80´s de "Don´t Bring Me Down", el Dokken de la nueva centuria derrocha talento en "Prozac Nation" o en "Haunted"; en las cuales Don todavía mantiene el nivel dentro del estudio, otra canción será la gira del disco, donde nuevamente su voz volverá a arrastrarse delante del público.

El nivel del álbum va decreciendo con los minutos, demasiados medios tiempos alguno bastante insípido restan nivel y punch a un trabajo que había empezado de manera fulgurante. La buena noticia de "Hell To Pay" es el descubrimiento de Levin, un diamante que se pulirá y de que manera en el siguiente trabajo.

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2008
Cuatro años se necesitaron para que "Lightning Strikes Again" saltase a la palestra. El título es una clara declaración de principios y la portada lo mismo. En sus canciones vamos a darnos de bruces con dos realidades, Levin es un fichaje cojonudo, Don Dokken está para sopas, papillas y poco más.

Trece canciones son suficientes para darse cuenta (uno ya se da por enterado con la segunda) de que Don está casi finiquitado como vocalista, se ha acabado, un tío medio ronco y afónico cantando en el estudio de grabación me parece intolerable.

Aún con esas aguantamos el tirón porque casi todas las canciones son tan buenas que podemos tolerar que Dokken se las vea y se las desee para llegar a las notas de "Give Me A Reason"; le acaba salvando que muchas de las canciones están grabadas en tonos más bajos y que en los medios tiempos, de más calidad, todo hay que decirlo, que en "Hell To Pay", da el pego.

La sección rítmica formada nuevamente por Barry Sparks y Mick Brown no se arruga a la afrenta de riffs de un gran Levin, que sí bien emula a Lynch en algunos cortes como la inicial "Standing On The Outside" (con un claro hedor a "Back For The Attack"), "Judgment Day" o la final "Sunset Superstar" (Un cañonazo que rememora los tiempos del "Under Look & Kay") vuelve a revelarse como el protagonista destacado de  unos temas que llevan su sello en cada acorde.

Al final de las trece canciones, se da la paradoja de que el disco nos parece realmente bueno pese al resquemor del "Caso Don Dokken", aquel tipo que en los ochenta llegó a ser una de las voces principales del "Hear N Aid" y que veinte años después no ha sido capaz de cuidar su voz primeramente, ni retirarse a tiempo; dándose nuevamente la paradoja de que pese a todos los pesares algunos seguimos comprando fielmente su música ¿Por qué coño va a retirase pues?

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2012
El comienzo de "Broken Bones "Empire" es fulgurante, canción rápida marca de la casa de estribillo práctico y de manual. El tema título sigue apostando sobre seguro, nada de ruletas rusas, ni rojos-negros, pares o impares.

Los riffs de Levin siguen siendo muy dinámicos y los solos como el de "Broken Bones" siguen un patrón blues alejado de los punteos más Hard Rockeros o metálicos de por ejemplo, "Best Of Me", un medio tiempo "Old School" que gustará a cualquier fan de Dokken.

En "Hell To Pay" Dokken habían apostado por una serie de temas épicos con reminiscencias del "Modern Rock", lo épico vuelve pero con trazas clasicistas, "Blind", "The Victim Of The Crime" o "Burning Tears"; las dos últimas envueltas en un halo misterioso con los riffs de Levin y la voz de Don mediante.

Y hablando de la voz de Don...
...Pues nada que no faltase a la cita en los dos anteriores discos, aunque en honor a la verdad mejora sustancialmente ya que "Broken Bones" es un disco generoso en medios tiempos en los cuales Don Dokken disimula bastante bien; medios tiempos como "Today", cover del clásico de Jefferson Airplane, que la banda esculpe con pulcritud. En esta ocasión los temas reposados de "Broken Bones" le ganan claramente la partida a los de "Hell To Pay".

Quizás emocionados por las primeras escuchas de "Lightning Strikes Again" y su inmediatez se tendió a ningunear a "Broken Bones". Cuatro años después, el álbum es completamente reivindicable y aprovechable, ya que contiene todos los elementos que los fans de Dokken apreciamos, a saber, buenas melodías rockeras, estribillos remarcables, guitarras potentes no exentas de pericia y una base rítmica contundente (El bajo ahora es cosa de Steve Mc Nabb).

Pedir que Don Dokken cante bien a estas alturas del cuento es precisamente como pedirle peras al olmo. Parece ser que la banda actual después de el esperpento perpetrado por la formación original recientemente, volverá con un nuevo disco para el 2017. Me la juego al siete rojo impar a que es un buen disco.

George Armstrong Custer


Formación de DOKKEN con Jon Levin


Otras entradas de DOKKEN:

http://blogdecaido.blogspot.com.es/2014/03/dokken-reediciones-tres-clasicos-del.html
http://blogdecaido.blogspot.com.es/2012/12/mirada-retrospectiva-dokken-back-for.html










jueves, 27 de octubre de 2016

BLACK SABBATH: "THE ETERNAL IDOL" 1987

Que BLACK SABBATH estaban más perdidos que "El Holandés Errante" a mediados de los ochenta lo tenían claro hasta en Birmania.

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Un Iommi completamente desnortado desde la huida de Ronnie Dio, lo intenta con Ian Gillan primero y con Glenn Hughes después, pero nada; Black Sabbath hacen aguas y parece que los padres del Heavy Metal van a entrar en colapso.

Y eso que "Born Again" y "Seventh Star" son dos discos cojonudos, pero este último ya no debió de salir con las palabras Black Sabbath encima del bigotazo de Iommi. Desafortunadamente para él, su banda seguiría cuesta abajo unos cuantos años más.

"The Eternal Idol", no se salvará del ostracismo, las pocas ventas y de las afiladas plumas, que en algunos casos no dudarán en hurgar en la herida pese a que las nueve canciones son bastante majas.

A Iommi le gafaron cuando iban a grabar en la isla caribeña de montserrat. Algún ser demente le envió un paquetito con una mierda (excremento) dentro y una nota para que se la comiese (la mierda) ; buen comienzo sí...

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De entrada el que no se comió ningún marronazo fue Ray Gillen. El elegido como vocalista para las nuevas canciones del álbum  "Tomó las de Villa Diego" después de grabar las demos. Parece ser que acabó hasta las narices del bueno de Tony y se las piró al continente para formar los imprescindibles Badlands; estupenda elección.

Así que el bigotudo de Aston se ve obligado a pescar a Tony Martin, que sin ser Gillen hace un trabajo muy bueno. Mola esa voz entre Don Dokken y Coverdale, que en ocasiones alcanza matices que recuerdan a Dio y que casan a la perfección con los tempos del álbum y de los riffs del padre del invento.

Como ya sabréis, de Black Sabbath aparte de Tony sólo queda el nombre. Esperando la llegada de Martin imagino que en una cala con una caipiriña en mano estaban los bajistas Bob Daisley y Dave Spitz, el batería Eric Singer y el teclista Geoff Nicholls, este último uno de los asalariados a tiempo completo durante la década de los ochenta.

El disco suena 80´s total, y de verdad que algunos temas están casi a la altura de la leyenda; con esto quiero decir que al escuchar "Lost Forever" experimentas sensaciones que habías sentido con parte del material que la banda había grabado con Dio.

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 Esas canciones cuasi míticas, con los riffs marca de la casa, eran perfectas para el año 87, año en el que los Sabbath eran vistos como un producto caduco entre los emergentes y triunfantes Guns N Roses o los remozados y americanizados Whitesnake; poco o nada podía rascar un grupo visto como un dinosaurio esperando su "Armagedon".

Si el disco como lo conocemos es bueno, cantado por Ray Gillen es todavía mejor. Desde hace seis años se puede disfrutar de un remozado "The Eternal Idol" que contiene un segundo disco con ocho de los nueve temas que salieron en la edición original cantada por Martin, sólo "Scarlet Pimpernel" falta a la clase magistral impartida por un Gillen desatado y que me parece el sucesor perfecto para Dio.

Su chorro mejora los notables cantos de Martin en una estratosférica "Lost Forever" o en la semi terrorífica canción que titula el álbum. 

Lo que hubiese pasado con los Sabbath en una hipotética gira con Gillen, el disco cantado por él o incluso más incursiones suyas en el seno de la banda queda obviamente en terreno especulativo. En cambio, disfrutar de su voz en estas sesiones y del disco cantado por Tony Martin sí es una realidad palpable que un buen aficionado al Rock duro clásico y al Heavy Metal no debe dejar escapar. 

El Hijo de Ron Keel



miércoles, 19 de octubre de 2016

TAPIMAN "TAPIMAN" 1972: TROGLODITAS DEL ROCK DURO VOL 15

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Después de varios meses en el dique seco, "Trogloditas" vuelve con un disco emblemático para el Rock catalán y por extensión para el Rock patrio de la década de los setenta; el debut de TAPIMAN.

Vendido por muchos como banda progresiva por su parentesco con los Máquina!, Tapiman eran un trío de Rock Duro al estilo Jimmy Hendrix Experience o Little Free, que en el 72 dejaron un potente artefacto repleto de furia y pericia, con una portada realmente Heavy y con una buena producción para lo que solía registrase en esa época.

Josep Maria Vilaseca (Tapi)  junto a otros dos jóvenes rockeros de la escena barcelonesa, el guitarrista Joaquim "Max" Sunyer y el bajista Pepe Fernandez son los encargados de dar forma a su amor incondicional por el Blues Rock de Los Bluesbreakers de John Mayall y el posterior de Clapton, Bruce y Baker en Cream, con un resultado corpuscular típico del periodo 69-72 dentro del Rock duro.

Música valiente cantada en inglés capaz de recrear ambientes cercanos a lo que Cream mostraban en sus mejores discos, con un Max ofreciendo versatilidad a la batería, fusionando Free Jazz con la contundencia de los mejores "baquetistas" de Rock del momento.

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 Guitarras furibundas de Blues duro convertido en Rock ácido, escalas hambrientas de Proto-Heavy Metal y malabares a las cuatro cuerdas, conviven de lleno chocando e implosionando no más de cuarenta minutos de música tan urgente que se quedó olvidada como tantos otros trabajos de su mismo tiempo, demasiado "complicados" para ser asimilados por las carpetovetónicas discográficas del momento, más ocupadas en los folclóricos del Tardo Franquismo que de la nueva hornada de melenudos patria. 

El disco se nutre de material rumiado por la banda durante los años 71 y 72, siendo publicado en Mayo de ese último año por el sello "Edigsa", con la misma impactante portada de la calavera rosa que nuevamente el sello ilerdense "Guerssen" rescataría para su reedición del 2003.

Pese a las críticas notables que recibió este excelente disco, Tapiman se quedarían huérfanos de nuevo material durante varios años, parece ser que trabajos mejor remunerados que el de músicos de Rock fueron los culpables de que no hubiese una continuación para canciones del calibre de "Wrong World" o "No Control"; una auténtica pena.

General Custer "Rides Again!"

TAPIMAN:

Tapi: Batería y voces
Max: Guitarra y voces
Pepe: Bajo y voces

Temas:
1 "Wrong World", 2 "Gosseberry Park", 3 "Don´t Ask Why", 4 "Practice", 5 "Paris", 6 "No Change", 7 "Moonbean", 8 "No Control", 9 "Jenny", 10 "Driving Shadow (Pepe´s Song)".