jueves, 18 de agosto de 2016

RATT: DANCING UNDERCOVER 1986 TREINTA ANIVERSARIO

Rayos y centellas amigos, otra vez celebrando un treinta aniverasario ¿Increible Verdad? Pues si, treinta veranos cumple el tercer trabajo de la banda angelina, tres décadas desde que la laca y el pinta labios dominase lascivamente al Rock Duro de L.A.

Después de un metálico debut como mini album, RATT deslumbran con "Out Of Cellar", al año siguiente venden bien de inicio "Invasion Of Your Privacy", pero el disco estanca las posibilidades que la banda había ofrecido en su debut de largo.

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En 1986 con "Dancing Undercover" Beu Hill y la banda vuelven a intentarlo ofreciendo la misma formula; ese Rock Duro pastel pero duro a fin de cuentas, con estribillos de calado inmediato y con las machaconas pero técnicas guitarras de la dupla Warren DeMartini/Robbin Crosby.

Rapidamente el primer tema del álbum y single "Dance" se convierte en favorito de los fans del grupo, pero no logra impactar en las emisoras de radio como "Round & Round" dos años antes; las ventas del nuevo trabajo irán peor que las de los dos anteriores trabajos y acabarán con Ratt fuera de los grandes arenas.

Pero el disco en sí mejora con creces al anterior "Invasion Of Your Privacy", aunque echamos de menos una portada tan sugerente como la de aquel disco o la del debut; para esta ocasión la banda posa en blanco y negro como si fuese la cubierta de un fanzine.

Como habréis intuido ya, con "Dance" el disco empieza fuerte, con un himno típico de la banda basado en unas guitarras duras con mucho rítmo dentro de un prisma muy comercial, en el cual el estribillo manda, la voz de Stephen Pearcy vacila y la base batería/bajo rockea con contundencia.

Este comienzo promete y nos lleva al debut o al segundo disco con los tremendos "Wanted Man" o "You´re In Love", dos clásicos imperecederos dentro de la discografía de los "Glammys" americanos.

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A renglón seguido cae "One Good Lover" y seguimos sin movernos un ápice de lo que Ratt nos han ofrecido en sus dos anteriores discos; la receta en la cocina emite un olor que todos conocemos demasiado bien. A estas alturas algunos empezarán a decir aquello de "Todos los días gallina amarga la cocina", quizás, aunque siempre me ha parecido que con "Dancing Undercover" la banda alcanza la cima del autoplagio.

Luego y como un torrente llega uno de mis favoritos de la banda y del propio disco; "Drive Me Crazy" es un castañazo de los buenos, rockero y con un estribillo matador; la mezcla perfecta entre Rock americano y Rock duro como sólo los americanos sabían interpretarlo por aquel entonces.

"Slip Of The Lip" y "Body Talk" suenan como si fuesen una sola, y pese a que no veamos nada nuevo en el camino, si que seguimos disfrutando con dos temas coloristas y buen rolleros. "Body Talk" incluso llegó a formas parte de la banda sonora del "Chico de Oro", aquella peli de cuando Eddie Murphy era el nuevo Rey Midas del humor americano. Paradojicamente, Murphy está en la cima y Ratt empiezan con este disco a descenderla.

Del otro lado de los míticos vinilos o cassette, ni "Looking For Love" ni "7th Avenue" logran las vibraciones deseadas, pese a que son dos temas superiores a los dos que abrían la cara B de "Invasion Of Your Privacy". En cambio, "It Doesn´t Matter" o "Take A Change" son mucho más resueltos y resultones, faltándoles muy poquito para estar a la altura de los grandes temas de la época del irrepetible hit "Round & Round".

El final con "Enough Is Enough" no sabemos si es suficiente, pero si que cuenta con un atractivo envoltorio al rededor de un típico estribillo made in Ratt, quizás demasiado para los que se temían que Ratt eran la banda de "Out Of The Cellar" y fin de la historia. Los que vibramos parcialmente con "Invasion" lo haremos plenamente con este estupendo "Dancing Undercover".

El Hijo de Ron Keel




jueves, 21 de julio de 2016

RIVAL SONS: HOLLOW BONES

No vamos a descubrir ahora las excelencias de una banda que se ha instalado, por méritos propios, como una de las referencias del actual panorama Rock internacional. A ver… tampoco es que hayan descubierto la Piedra Filosofal: sus canciones, estructuras y ritmos pertenecen a muchos de los grupos de los 60 y 70. Pero el buen gusto con el que fusilan, a veces, esas texturas de antaño es lo que les ha dado esa popularidad de la que gozan ahora los chicos de Buchanan.

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Esta continuación de su exitoso “Great Western Walkiria” es, precisamente, eso. Una continuación. Nos hemos aprendido el guión, y como funciona, pues seguimos en esa línea. Incluso seguimos utilizando el mismo sonido áspero, desentonado a veces, y orgánico que nos acompañaba en el anterior trabajo.
Holiday prefiere no arriesgar con los solos, cuando sabe que un buen surtido de riffs puede llegar a ser igual de efectivo. Algún desmelene aislado, pero nada más.

Y Buchanan… ¿qué más se puede decir de este hombre? Me río a veces viendo los rankings de mejores vocalistas de rock, viendo que este portento no sale ni en los reservas. Menuda cultura tenemos, amigos.
Led Zeppelin está, como de costumbre, muy presente en el ambiente de este disco. Y ya lo dejan claro con la inicial “Hollow Bones Pt. 1”, donde el riff a lo Page marca el inicio del viaje.

Otros temas más sensuales, menos hard rock, como “Tied Up” o “Pretty Face”, o tempos más bluesy como “Fade Out” o “Black Coffee” (gran versión ésta, con un aire y unos coros negros realmente soberbios), contrastan con asuntos más duros, como la grandiosa “Hollow Bones Pt. 2”.

Un tema con una atmósfera misteriosa y densa, que se rompe con un poderoso riff, y con Buchanan entonando una especie de letanía religiosa, rogando a Dios y al Creador. En un momento del tema, los instrumentos callan, dejando únicamente la poderosa voz del cantante como protagonista. El solo es capaz de mantener la tensión. El mejor tema del disco, para un servidor.

Como ya he dicho, si os gustó el anterior, os va a gustar éste. Por ponerle algún “pero”, diría la brevedad del metraje, y un último tema, lánguido y acústico, que se podrían haber ahorrado. No pega mucho en el contexto general del disco.


 Ahora toca ver si en próximos trabajos van a arriesgar más, y subir la apuesta.

Ritchie Moreno


jueves, 7 de julio de 2016

MANOWAR "INTO GLORY RIDE & HAIL TO ENGLAND" AULLIDOS DESDE EL VALHALLA

En otra ocasión escribiremos sobre "Battle Hymns", ese estupendo debut de los MANOWAR, pero hoy nos ocupamos de su segundo y tercer disco, un par de trabajos que empezaron a auparles hacia el Olimpo del Heavy Metal a este lado del "Valhalla".

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Y es que si en el debut Manowar parecían la versión Heavy Conan y motera de unos Mötorhead, en "Into The Glory Ride" primeramente, desarrollarán un nuevo sentido épico dentro del Metal que en muchos momentos puede sonar a broma, pero amigos míos, la broma se queda principalmente en la portada y poco más.

Pensad que era el año 83, Kiss se pasaban al redil metálico sin pinturas de guerra al grito de "Lick It Up", Twisted Sister arrasaban en los escenarios presentando el peligroso "Under The Blade" y no perdían comba publicando el "quinqui" "You Can´t Stop RNR", Mötley hacían lo propio con el seminal Metal USA de "Shout At The Devil" y Maiden volvían a hacerlo con "Piece Of Mind".

¿Y Manowar? Pues se volvían más heavies que nunca clamando a los Dioses Vikingos con siete canciones sin desperdicio al que quizás lastra una producción bastante pobre.

En el álbum Eric Adams da un paso al frente como ministro de aquel nuevo metal, posiblemente abusa de los falsetes y gorgoritos a lo largo del plástico, pero su trabajo es todo lo que un buen Heavy de pelo en el pecho quiere oír ese lejano año.

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¿CUATRO JINETES EN LA M-30?
Adams por debajo de Ronnie Dio, Dickinson, Harlford o Tate, pero presentando candidatura, claro que sí. No nos engañemos, "Into Glory Ride" no es el mejor disco metalero del mundo, pero si que tendrá repercusión para estilos como el "Power Metal" (no el germánico) o el "Speed Metal".

Las guitarras de Ross The Boss también evolucionan lo suyo del debut al nuevo disco. Riffs más pesados y muchos máS punteos en comparación con "Battle Hymns". 

El asalariado guitarrista de los Dictators también crea escuela de la buena en cada nuevo tema del álbum, disco por cierto con una temática forjada como no podía ser de otra manera en "Hierro y acero", en guerreros medievales conquistadores y folladores, o en Vikingos moribundos que han dado mil mamporros ante de postrarse en los brazos de Thor u Odín.

"Warlord", "Gloves Of Metal" o la "Sabbathiana" "Hatred" son alguna de mis favoritas, lejos aún del sonido comercial pero no exento de poder que exhibirán más adelante en "Fighting The World" o en "Kings Of Metal".

El Hijo de Ron Keel


Corría el año 1984 cuando los norteamericanos MANOWAR publicaron "Hail To England", tercer disco de su carrera y cuyo título rendía homenaje a la tierra en la que los músicos se conocieron y formaron la banda.

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Si hay algo que de verdad se pueda definir como "auténtico metal guerrero" puro y duro, con sus pros y sus contras, es este disco. No hay manera más auténticamente Heavy de abrir un disco con el pesado y cuasi marcial ritmo de "Blood Of My Enemies", corte de estribillo hímnico apuntalado por unos peliculeros coros. Canciones de esas que si las vas escuchando por la calle con tus auriculares te hace marcar el paso con aíre triunfante y enérgico. Estamos sin duda ante uno de los mejores temas que ha firmado Joey DeMagio en su carrera.

En general el disco es divertido y te hace sentir ese estado de euforia metálica durante casi todo su recorrido. "Each Dawn I Die" invita a agarrar la raqueta de tenis, escoba o similar y mover la cabeza como si no hubiera un mañana parando únicamente para desmelenarse imitando a Ross The Boss en su gran solo.

Con "Kill The Power" pisan el acelerador y firman un cañonazo de Heavy Metal de manual que posee todas las características del género: Bajos y guitarras veloces y machacones, solo furioso, batería potente y un Eric Adams desatado gritando a pleno pulmón aquello de "Die, Dieeeee".

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Y tras el mencionado homenaje a Inglaterra con el tema título, dedican otro a sus fans con "Army Of The Inmortals", demostrando que en aquella época eran únicos escribiendo historias sobre guerreros, lealtad, valentía y hermandad metalera con buen hacer dentro de los cánones del género y contagiando fácilmente al oyente a la hora de cantar coros puño en alto.

Con el innecesario solo de DeMaio bajo el nombre de "Black Arrows" el disco sufre un bache y ya se empezaba a gestar un gusto por los excesos que pasaría factura de manera seria con el transcurrir de los años.

No se puede pasar por alto que el sonido del disco no es el mejor y con una producción más pulida se difrutaría más, sobre todo si la guitarra estuviera un poco más alta en la mezcla, ya que el bajo de DeMaio está marcando el ritmo casi a la par que la guitarra de Ross, por momentos como otra más.

Albytor







jueves, 23 de junio de 2016

091: "ESTE ES NUESTRO TIEMPO 1986-1991"

091, qué maravillosa banda. Todavía no entiendo como los granadinos no fueron realmente grandes allá por el año 90. Y digo lo de grandes en cuanto a las ventas, porque si hablamos de sus discos, ahí si que amigos tengo muy claro que 091 son uno de los más grandes grupos de Rock que ha parido la tierra en este país.

Les faltó aquel "Hit" que les colocase en lo más alto y que todavía siguiese sonando en la emisora de Rock más pesada del estado español, no tuvieron lo que M-Clan, pero seguro que hay otros como yo, que siguen bailando con desesperación temas que impresionan por sus letras, letras sin piedad, que no llegan a cien y que seguramente no encontrarás debajo de las piedras.

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Recuerdo verles en la avilesina sala "Cuatro" allá por el 93 presentando "Tormentas Imaginarias", quizás mi disco favorito de los Cero. Naturalmente me han pasado infinidad de cosas buenas y malas en todos esos años transcurridos desde aquella vez, y aún sigo repescando de cuando en cuando "Tormentas" o "El Baile De La Desesperación"; esos discos que recuperas y que durante varias semanas no hay Dios que quite del plato, me ocurre con los Ramones también, que cosas...

Durante años me pregunté alguna que otra vez como demonios podía ser que Jose Ignacio Lapido, uno de los padres de la criatura no quisiese volver a reunir a una de las formaciones definitivas del Rock patrio y con uno de los directos rockeros más arrolladores y auténticos. Pues ocurría que Lapido tiene su propia carrera discográfica y aunque le tentaron una y otra vez siempre iba esquivando las propuestas de reunión que le lanzaban. Sólo José Antonio García vocalista de los cero estaba por la labor.

Y bueno, al final y 20 años después de la despedida y de aquel bestial "Último Concierto", los cero han vuelto para una gira que dicen es de despedida, aunque yo ya no me creo nada, y espero como un zoquete que Lapido afile el lápiz y plasme en la libreta esas letras que le salen de la "Psique" y que luego J.A. canta como nadie.

Sin saber si habrá parada en mi Asturias, veo clips en youtube de la banda abarrotando recintos que son "Sold-out" allá a donde van, con gentes de mi generación y mayores principalmente, tipos de pelo en el pecho que se vuelven locos con el arranque de riffs en "Palo Cortao", o con el acústico y ya clásico en directo "La Canción Del Espantapájaros".

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Pero el pretexto para hablar de 091 más que la reunión de la banda y su gira es la publicación de la caja "Este Es Nuestro Tiempo 1986-1991", una "Pandora-Box" con los cuatro discos que grabaron amparados de mala manera por el sello "Zafiro": "Más De Cien Lobos", "Debajo De Las Piedras", "Doce Canciones Sin Piedad" y "El Baile De La Desesperación"; todos ellos reeditados, remasterizados y en el caso de los dos primeros con temas extras ("Por Ti En La Oscuridad" y "Sólo Es Un Juego" en "Mas De Cien Lobos" y "Sólo Hago Sonar Mi Guitarra" en "Debajo de las Piedras").

"Mas De Cien Lobos", el cambio de "Dro" por "Zafiro" nos deja un buen disco que fue producido por Joe Strummer, un trabajo que el mítico The Clash deja preñado de su identidad personal y musical, pero que adolece de un sonido que merecían canciones que empezaban a marcar el camino que los cero querían pintar para ellos primero y para sus fans más tarde.

Afortunadamente la reedición mejora el sonido en el remaster y también nos ofrece una portada nueva bastante más acorde con el ambiente que impregnaba a canciones como "Escupir Contra El Viento" o "Escenas De Guerra".

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El problema del sonido se agudizo sensiblemente en el posterior "Debajo De Las Piedras" (1988), trabajo producido por el mítico "Tibu" de los Banzai, que no dió con la tecla de un trabajo que seguía dejando una  colección  variopinta made in Lapido entre las que destacaba "La Torre De La Vela". El disco sigue siendo rockero, pero le faltaba el músculo que empieza a desarrollarse en "Doce Canciones Sin Piedad" un año más tarde.

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Y así que ese año 89, sale al mercado el disco que hará justicia a 091 mostrando un señor sonido, recio y portentoso producido por Andreas Prittwitz, y un surtido memorable de canciones en los que la pluma de Lapido deja huella profunda, "El Deseo Y El Fuego", "En Tus Ojos" o la emblemática "Qué Fue Del Siglo XX?" son sólo tres muestras de ello.

El regreso del huído Antonio Arias pasando 091 de trío a cuarteto, será un dique de estabilidad para el resto de miembros de la banda, que junto a Arias moldearán el mejor disco del grupo hasta la fecha y uno de los mejores trabajos de su tiempo, que a día de hoy sigue sonando a Gloria Bendita y que un servidor no puede entender como "Nadie Encuentra Lo Que Busca" o "Cartas En La Manga" no lograran el respaldo de las emisoras de este país.

El disco es un conglomerado de Power Pop y Rock And Roll, con riffs Stonianos en "En El Laberinto" y no olvidando que el Punk Rock fue un icono para la banda en el pasado, ahí queda el riff inicial  a lo Sex Pistols de "¿Qué Fue Del Siglo XX?".

Personalmente me quedo con la primera parte del álbum, hasta la séptima canción que es la nombrada en el párrafo anterior, "Doce Canciones Sin Piedad" es sobervio; luego las canciones se vuelven más oscuras y pesimistas, música y letra. En el último momento con "Carne Cruda", recrudecen nuevamente el sonido, garajero este, y con una lapidaria letra de Lapido.

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Pero lo mejor de la caja queda para el final, como en las mejores películas, y es ahí donde se encuentra "El Baile De La Desesperación", quizás el mejor disco de los Cero, y muy probablemente uno de los mejores discos de la historia del Rock patrio.

Las canciones son de rompe y rasga desde "La Vida Que Mala Es", con ese Rock  rapeado y guitarras Wha Wha con muy mala leche en la letra y en su Rock & Roll ¿Y que decir del "El Baile Del Espantapájaros"? Sobrecogedora y emotiva su letra, memorable su estribillo.

"San Martín" es otro de los momentos estelares entre un motón de supernovas: "El Baile De La Desesperación", "El Lado Oscuro De Las Cosas" o "Este Es Nuestro Tiempo" siguen brillando y las letras de Lapido alcanzan su máximo apogéo.

"Atrás" es otra de las más destacadas, con la pluma de Lapido nuevamente clavándose en nuestra conciencia y dejando huella una vez que sus afilados riffs se apagan. Es el memorable final de un memorable disco, de una caja, "Este Es Nuestro Tiempo" que los fans de los Cero seguramente abrirán y que cualquier rockero que se precie debería hacer, para que el calado de los 091 sea mucho más hondo.

General Custer (Rides Again)







miércoles, 8 de junio de 2016

QUINCE DISCOS AOR PARA EL PRÓXIMO VERANO (SEGUNDO VOLUMEN)

1-I-TEN "Taking A Cold Look" 1983
Y comenzamos nuestro repaso veraniego con todo un super clásico cinco estrellas del género. Y no, no estamos ante un disco del dúo Pimpinela con la colaboración de Terence Hill por mucho que la portada pueda parecerlo.
Estamos ante el dúo formado por Tom Kelly y Billy Steinberg, ambos vocalistas y guitarristas que se parten la caja torácica en pos de la melodía AOR más sublime e inmensa posible, consiguiendolo con nota sobresaliente en diez temas a los que no les falta ninguno de los detalles del género en su era dominadora.

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Teclados super bombásticos, coros más hinchados que los pectorales de Arnold Schwarzenegger, baladas lacrimógenas que son puro espectáculo y unas guitarras azucar moreno que se derriten sin remedio en el paladar del que tiene la suerte de escuchar tonadas tan sentidas como "Alone" (que versionearían Reo Speedwagon, Honeymoon Suite o Heart)  o temones tan espectaculares como la inicial y clásica del género "Taking A Cold Look". 
Los ecos a bandas como Dakota o los Supertramp planean en "Workin´For A Lovin´" o "Quicksand"s" y las típicas melodías policiacas de los 80 nos disparan a quema ropa en la Hi-Tech "Lonely In Each Other´s Arms". 
Produce semejante joya el inefable Keith Olson a medias con el Toto Steve Lukather, que por cierto colabora con sus guitarras y teclados en todo el álbum, no siendo las únicas colaboraciones, ya que hay que sumar los ilustres nombres de Alan Pasqua, David Paich, Mike Baird o Steve Porcaro entre la nómina que viene ligada a este estupendo disco del simpar dúo Kelly/Steinberg. Un 9 sobre 10.

2-JOURNEY "Frontiers" 1983
Recuerdo hace un montón de años cuando no había catado las mieles del AOR, le pedí a Alberto de Rock Shop que me recomendase un disco de JOURNEY, banda de la que había leído un montón pero de la que no poseía álbum alguno. Me recomendó sin pestañear "Frontiers" y le hice caso. Más de 20 años han pasado y con toda la discografía de la banda bajo el brazo tengo claro que "Frontiers" es de lejos su mejor trabajo, y mira que Journey tienen discos de calidad.

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Desde el primer tema al último todo hiede a AOR ochentero que tira de espaldas. "Separate Ways" con sus colchones de teclados en los que te puedes recostar mientras tarareas su brutal estribillo, es el espectacular arranque de un trabajo que sigue pisando el acelerador de los himnos radiofónicos con la pomposa "Send Her My Love" y el Hard aorero de la seminal "Chain Reaction".
Las baladas también tienen su punto de fusión en "Frontiers", quedando "Faithfully" como el faro visible en el ecuador del álbum que alumbra al resto de temazos, entre los que destacan las "Pomp" "Edge Of The Blade" y "Rubicon" o las rockeras "Back Talk" y "Frontiers".
Otro de los grandes pilares en los que se apoya el disco es en la excelencia de su vocalista, Steve Perry posiblemente está en uno de sus puntos más álgidos, conformando junto a un genial a las seis cuerdas Neal Schon un dúo perfecto para los intereses de la banda. Tampoco podemos dejar pasar a Jonathan Cain, que llegó a Journey para darle otro aíre al grupo a los teclados, algo que quedó patente en el anterior y estupendo "Escape" y que redunda en un "Frontiers" adimensional.


3-STRANGEWAYS "Native Sons" 1988.
El año pasado en nuestra lista veraniega del AOR publicamos entre aquellos quince discos el debut de esta banda escocesa. Casi tres años después de aquel, publicaban "Native Sons" y con él traían la buena nueva de Terry Brock como vocalista.
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El americano no era seguramente consciente (como el resto de la banda) de lo que conllevaría poner su tremenda voz a un increible repertorio que parecía haber estado esperando su llegada como si fuese oro llovido de los cielos. Y así fue...
"Native Sons" contiene alguna de las mejores canciones del AOR escritas en su historia como sub-género del Rock, siendo a día de hoy para muchos uno de los cinco mejores discos del amado-odiado estilo.
No seré yo el que diga lo contrario ya que estamos en verdad ante una catarata de temazos melódicos que con la voz de Brock tocan casi el cielo.
Como un Steve Perry renovado, Brock insufla su estilo Soul a delicias de la talla de "Only A Fool" o "Goodnight L.A".; dejando a la banda como unos nuevos Journey o Foreigner que lo cojen donde los primeros se habían quedado trás "Frontiers" y los segundos trás "4".
Decir que este disco es mejor que los dos nombrados o el "Vital Signs" de Survivor es una temeridad, pero les sigue muy pero que muy cerca. Sublime.

4-BAD COMPANY "Dangerous Age" 1988
Bad Company que fue una de las bandas que ayudó a que el Rock de estadios creciese de forma masiva en los setenta, también tuvo una relación sentimentaloide con el AOR. Trás "Rough Diamonds" en el 82, Paul Rodgers parte de la banda que tarda un tiempo en reacionar y armarse nuevamente. Cuando lo hace, Mike Ralphs y Simon Kirke son los dos miembros clásicos que quedan de los setenta y añaden al vocalista Brian Howe, con el que graban el regulero "Fame & Fortune" con Mick Jones de Foreigner como productor exclusivo y con un sonido que recordaba en exceso a su banda. Mejor les iría con el siguiente trabajo: "Dangerous Age".

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El disco es el primero de una productiva colaboración entre el músico y productor Terry Thomas y la banda, que ofrece diez estupendos cortes de Rock FM para todos los públicos. La voz de Howe cumple a la perfección siendo muy efectiva la combinación que utiliza de suavidad y aspereza dependiendo de la dureza o no de cada canción.
"One Night", "Shake It Up" o "No Smoke Without A Fire" sirven como ejemplos de lo escrito, siendo tres de los mejores temas de un disco que adapta la marca Bad Company, a los sonidos más livianos de los ochenta, sin perder la esencia de lo que la banda ofrecía en el pasado. Los siguientes "Holy Water" o "Here Comes Trouble", bien podrían estar igualmente en esta página donde finalmente está este clásico de finales de los ochenta.


5-KING KOBRA "Thrill Of A Lifetime" 1986
Una banda que mutó del Glam Metal comercial al AOR fueron los King Kobra, banda liderada por el batería Carmine Appice y que con este segundo disco se introducirá en las aguas del género melódico guiados principalmente por la estupenda voz de Mark (ahora Marcia) Free, una voz que por cierto, seguiría unida al AOR en adelante con bandas tan interesantes como Unruly Child o Signal.

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Free aprovecha sus facultades para conquistar a los fans de bandas como Survivor con su aterciopelada voz, y la banda se deja ir através de un canal repleto de melodías ochenteras de las que el oyente caerá preso sí o sí.
Los teclados tienen su peso a la hora de formar diferentes climax y las guitarras de David Michael-philps y Mike Sweda poseén un sonido cristalino en casi todo el álbum, sólo pierden la compostura en "Raise Your Hands To Rock" y en la final "Party Animal".
Todas las canciones del disco merecen la pena, pero hay una que en su momento se llevó la palma y de la cual llegamos a ver incluso su descacharrante video clip, hablamos de "Iron Eagle (Never Say Die)", un despiporre de himno AOR que formó parte de la espantosa "Aguila De Ácero" y que les regaló a los Kobra sus diez minutos de fama.

6-SIGNAL "Loud & Clear" 1989
¿Que coño tenemos aquí? ¿A un grupo que se llama como una puta pasta de dientes??? Pues si, y joder, que buenísimo disco se cascaron amigos míos...
Hace unas líneas os hablabamos de lo bien que cantaba el cabronazo de Mark "Marcia" Free en los King Kobra, pues bien, en estos SIGNAL ocurre exactamente lo mísmo ¿O que pensabais?

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El único pero que se encontró Marcia fue que su nueva banda como tal, duró menos que un paquete de kikos a la puerta de un colegio. Ni tres míseros meses les dieron de plazo los capullos que llevaban su sello discográfico, les echaron sin contemplaciones, y es una pena, las diez canciones de "Loud & Clear" bien machacadas en la MTV pudieron haber calado, pero...
Las dos primeras canciones son un puñetero disparo, "Arms Of The Stranger" y "Does It Feel Like Love" encienden la mecha del AOR de manera bestial, melodías y guitarras tremendas y un Free que vuelve a ser un monstruo vocalmente hablando.
Las baladas y medios tiempos también petan el oído cosa fina: "This Love, This Time" es el tema muchachos.
Si este es el mejor disco que grabó Free, o lo son el de Unruly Child, los de King Kobra o el que grabó en solitario ya es cosa de cada uno de vosotros, yo posiblemente me quede con el de los Signal.

7-WALL OF SILENCE "Shock To The System"
Las bandas canadienses siempre han sido un referente para el Rock melódico. Honeymoon Suite, Loverboy o Bryan Adams, sus discos están ahí para que todos podamos atestiguarlo. No todas las que han existido conocieron el éxito masivo, o vamos, el éxito. WALL OF SILENCE creo que pertenecen a ese mundo de anónimos para una gran mayoría, aunque posiblemente un reducto de invencibles die-hard del Aor disfrutaron de su debut en el 89 y de su segundo trabajo en los primeros meses del poco prolífico para el Aor año 92.
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El disco fue producido por el tremendo guitarrista Mike Slammer, que consigue un sonido de la hostia a decir verdad, y encima participa en cuatro de las diez canciones como compositor. Pero no todo fueron buenas noticias en torno a Slammer y la banda, parece ser que saltaron chispas en el estudio y más de una vez estuvieron a punto de acabar a tortas.
Gracias al Dios Aor, nada se resiente en "Shock To The System" que es un brillante disco de Hard melódico con tremendas melodías, irresistibles chorus y guitarras mega rockeras que recuerdan al Bryan Adams más rockero e incluso a Def Leppard.
Actualmente es un disco bastante raro de ver y tanto en edición europea, americana o japo su precio supera con creces los 30 eurillos.

8-SURVIVOR "Caught In The Game" 1983
Inexplicablemente el año pasado no incluímos ningún disco de la banda que acompañó los mamporros de Rocky en dos de sus entregas."Vital Signs" es para un servidor uno de los tres grandes de su género, pero antes y con David Bickler a la voz ya habían grabado discos maravillosos y muchos temas de relumbrón, algunos de ellos están incluídos en  este álbum.

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Jim Peterik, Frankie Sullivan, Marc Droubray y Stephan Ellis son los acompañantes de Bickler, una alineación que todo fan del AOR debe saberse de carrerilla y que funciona con gran precisión en un "Caught In The Game" muy melódico claro, pero que tiene muchísima garra. Desde el tema título pasando por los geniales medios tiempos "Jackie Don´t Go" y "Ready For The Real Thing", hasta el final con "Santa Ana Winds", Survivor no bajan la guardia, firmando su trabajo más completo hasta esa fecha para un servidor en el año que Journey maravillaban con el AOR de "Frontiers".
Quizás mi tema favorito del disco sea la super rockera "It Doesn´t Have To Be This Way", ruego a los prejuiciosos con bandas de este palo se escuchen el tema en cuestión o "What Do You Really Think?", otra galleta melódica cocida con buena manteca Hard Rockera.
Que estaban en los 80 y bandas como Asia de moda, también se puede sentir en "Half-Life", con los teclados de Peterik sonando más Pomp que nunca. Y para 80´s la portada del disco, con esa computadora completamente arcaica y demodé, pero que es el envoltorio perfecto de este inmenso artefacto aorero.

9-FOREIGNER "Agent Provocateur" 1984
La dichosa "I Want To Know What Love Is" suena otra vez como tantas otras que se repiten más que el ajo en una emisora estatal de Rock, "La primera" o "La única" dicen ellos...
En fin, que es una gran canción, pero uno puede acabar pillándole manía. Fácil, no escuches la dichosa emisora y listo. Mejor aún, píllate "Agent Provacateur" que está tirado de precio en cd y hasta lo remasterizaron ¿Si es su mejor disco? No, mejor "4", incluso "Head Games" o "Inside Information" me parecen superiores, pero personalmente siento simpatía por este disco y todos los Veranos lo rescato y me lo suelo poner antes de darme un chapuzón.

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Y es que escuchar este trabajo es sumergirse en lo más profundo de los entresijos del AOR, vienes de "4" y llegarás a "Inside Information", pero primero parada y fonda en "Agent Provacateur", un disco que contiene más hits aparte de la archi conocida "I Want To Know..."
"That WaS Yesterday" es otro de los grandes sencillos que Foreigner grabó para este disco, no tan conocido pero casi, y un fijo en los mil recopilatorios que la banda ha ido sacando durante toda su trayectoria, en estudio o en vivo, con Gramm o con Hansen.
Como ocurriera con "4", el nuevo disco empezaba con un tema rockero y contundente, "Tooth & Nail", donde Lou Gramm entraba con furia. No es el único tema repleto de la fuerza del AOR más peleón, donde la guitarra de Mick Jones suena más poderosa, "Stranger In My Own House" y "A Love In Vain" también son de ese palo, por supuesto que no faltan montones de teclados claro; que siguen con terquedad dando la nota en medios tiempos altamente inflamables como "Down On Love". 8´5 sobre 10.

10-VAN ZANT "Van Zant" 1985
El Rock Sureño siempre ha tenido su cara amable. Las baladas de los Skynyrd fueron virando a las de los Outlaws, más cercanos al azucar de los Eagles primeramente, y ya en los 80, 38 Special se lanzaron a conquistar las FM con temas cercanos al AOR y que luego evidentemente lo fueron.
En la saga de los Van Zant, el jóven Johnny después de discos tan jodidamente buenos como "No More Dirty Deals", "The Last Of The Wild Ones" o "Round Two", se lanza a tumba abierta para caerse de cabeza a los melosos mundos del AOR. Era 1985 y Johnny  prescinde de su nombre y del "Band" para quedar con el mítico  bendito/maldito apellido como cabezera de su bautismo de fuego con el género aorero.

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En "Van Zant" el Rock Sureño brilla por su ausencia, quizás "Right On Time" pueda calificarse como tal, en un disco dominado por los teclados junto a unas melodías que son pura glucosa. "Midnight Sensation" o "Lonely Girls" se llevan la palma, esta última hasta con Saxofón para dar un enfoque más Pop, género que también se deja ver en "Does A Fool Ever Learn", un número que Helix habían rockeado duramente en el 83 y que el pequeño Johnny recuperaba para este disco, ralentizándolo cosa mala.
De todas formas, que nadie piense que "Van Zant" es un mal disco, he leído a varios aguafiestas que si es una mierda, que si indigno para alguien que lleve ese apellido...na, ni puto caso, estamos ante un magnífico disco de Rock melódico, de esos que desgraciadamente echamos de menos.

11-BLANC FACES "Blanc Faces" 2005
Y aquí tenemos una de las joyas atemporales de cualquier Verano aorero que se precie. Un disco inmenso de cabeza a píes, baladas y medios tiempos gigantescos, temas rockeros de AOR crudo y melodías que te van a llevar a Foreigner, Survivor o cualquier otro de los clásicos. Tengo que decir que es uno de mis discos de cabecera ¿Y sabéis lo mejor? Que es un álbum de la pasada década.

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Fuera de su tiempo y de lugar dirán unos, otros diremos que cualquier día de cualquier año se puede disfrutar un disco tan encantador y cojonudo como el de los hermanos Le Blanc. Las canciones menos una vienen firmadas en solitario por Brian Le Blanc. Las hay de todos los colores y sabores. Del Rock AOR con marchamo clásico de "Here´s To You" o "Turns This World Around" (Ojo a este temazo) a medios tiempos no aptos para adictos a la insulina como "Pray For Me" o la Cheap Trick via "The Flame" y descomunal "Edge Of The World".
Unos años más tarde publicarían un segundo disco que no era tan bueno como este colosal primer álbum.
9´5/10

12-HONEYMOON SUITE "The Big Price" 1985
"The Big Price" es el disco que menos me mola de los canadienses. Quizás penséis que estoy majara perdido pero prefiero sus otros tres discos de la época clásica y dorada de la banda. Que si, que luego el disco está de puta madre, pero es de notable y ya está, no sobresaliente como los otros, aunque bueno, a decir verdad sus cuatro primeras canciones son bestiales.
"Bad Attitude" es todo un himno Hard-Aorero, increible el estribillo y las guitarras de Derry Grehan. La verdad es que hay que respetar más a este tío coño, recuerdo verlo en un anuncio de un refresco en los 80 y caerme de culo, que grande.

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"Feel It Again" y sobre todo "Lost & Found" siguen siendo tras la nombrada mis canciones preferidas de este trabajo, con permiso quizás de "Wounded", un AOR que no deja titere con cabeza y que tiene en su adn el sonido que Bon Jovi practicará en "Slippery When Wet", y bueno, ya sabemos todos lo que pasará con ese jodido disco y con la carrera del músico de Jersey.
Pues si, Bruce Fairbairn es el productor de esta gran rodaja de los Honeymoon Suite, y producirá un año más tarde el disco de marras de Jovi. Obviamente el repertorio de los canadienses no es tan cojonudo como el de los americanos, ni la banda son unos guaperas del primero al último como ocurre con Bon Jovi.
No tiene que importar en absoluto, estaría bueno.
 Qué "Words In The Wind" siga volándonos los seso un Verano más y "All Along You Knew" con la flauta de Ian Anderson nos emborrachen nuevamente la noche de San Juan.



13-RIO "Borderland" 1985
Ya se que la portada parece de un disco de los Pecos en un mundo post-apocalíptico y crepuscular a lo Mad-Max, y que la contraportada da mucho la risa con los dos tipos en plan exploradores lunares sin escafandra, pero trás tan bizarro disfraz, se esconde uno de los discos más destacados del AOR en el Reino Unido en la segunda mitad de los 80.

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El dúo se lo guisa en su salsa Hard-Aorera apañándose entre ellos para grabar voces, guitarras, bajos, teclados y batería. Las nueve canciones son estupendas claro, y en ellas quedan como dos novios que salen juntos por vez primera, el AOR clásico de la inicial "I Don´t Wanna Be The Fool", con el Hard Rock americano a lo Dokken de "Shy Girl", o el sonido "Pyroleppardiano" de "Borderland" y el AOR-West Coast de "Close To You".
Si te gusta el sonido de los FM, Airrace o Virginia Wolf, todas ellas bandas británicas, seguro que tendrás un hueco para "Borderland", un trabajo semi-desconocido y de notable alto.



14-ASIA "Aqua" 1992
¿ASIA son AOR o Prog-Rock? Nunca lo he tenido claro, quizás una mezcla de ambos estilos. En el 92 se piró el John Wetton y entró John Payne, que por otra parte se tirará buena parte de la historia de la banda fundada en los 80 por parte del club selecto de luminarias del Rock Sinfónico-Progresivo cuando decidieron sacar singles de éxito de tres o cuatro minutos.

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Lo que estaba medianamente claro en el 92 es que escuchar a Asia era poco más que un pecado capital que merecía descrédito y provocaba la risión del populacho rockero de entonces. Desde luego que había que tener un par de huevos para ir a una tienda de discos a preguntar por un trabajo como el debut de Asia, no digo nada la carita que te podría alguno al preguntar por "Aqua", un disco que convertía a los británicos en AOR.
Aparte de que hay varios temas donde se puede escuchar al gran Steve Howe, la guitarra será cosa mayormente de Al Pitrelli, que hace un trabajo cojonudo y mete en el álbum unas guitarras realmente rockeras en muchos cortes de "Aqua", en cosas como "Little Rich Boy".
Los teclados pomposos marca de la casa siguen siendo para Geoff Downes y la batería para el mítico Carl Palmer. La voz de Payne es más Hard que la de Wetton y las canciones equilibran medios tiempos con Rock AOR Pomp con mucha calidad y una producción exquisita en tiempos de música turbia para el Rock.

15-GRAND PRIX "Samurai" 1983
¿Y las rabias que le tiene parte del populacho metalero al pobre Robin McAuley? Y todo por haberse aliado con Schenker a mediados de los 80 para hacer un poco de AOR...
Desde luego que rencorosa es la peña...
Pues aquí estoy tirado debajo de un árbol con el solecillo calentándome lo píes mientras mi viejo walk-man reproduce una vetusta "Basf"  que contiene "Samurai", el tercer álbum de los británicos Grand Prix en el que canta y muy bien el chulo de McAuley.

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El disco lo contienes diez perfectas piezas de Hard-Pomp-AOR que me gustan más que todo lo que cantó Robin para el rubio alemán. No son el no va más ok, pero tienen su gracia. Robin no es el vocalista con más personalidad del mundo, pero canta irresistiblemente bien en la impagable "Shout" (¿el video clip más bizarro de la historia del Rock Duro?) y en la fantasiosa "Countdawn To Zero" tampoco está nada mal.
En otros temas puede parecerse a varios vocalistas que van de John Waite en "Somewhere Tonight" a Jon Anderson (con menos agudos) en "Give Me What´s Mine".
Pese a todo lo malo que te puedan haber contado de este disco, ni puto caso. Si quieres pasar un rato entretenido a base de melodías con gancho, buenos estribillos y guitarras al punto, "Samurai" es tu disco.

Fourmyles De Ceres

lunes, 23 de mayo de 2016

CHEAP TRICK: BANG ZOOM CRAZY...HELLO

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Si intercambiamos las carátulas y los cedeses de los últimos cuatro discos de Cheap Trick (dejando el nuevo álbum al margen) entre sí, nos acabará dando lo mismo, y es que "Tanto monta, monta tanto", o lo que viene a ser, que da igual que pinches "Scent Of A Woman" o "Hard To Tell", "Miss Tomorrow" o "Perfect Stranger", cuatro temas que pertenecen a "Special One", "Cheap Trick 97", "The Latest" y "Rockford", todos ellos magníficos discos publicados por el cuarteto de Illinois del 97 al 2009.


Cuando escuché por vez primera el nuevo "Bang Zoom Crazy...Hello" me dio la impresión de que la fórmula ya se repetía demasiado y de que aunque dos más dos eran cuatro, ya no había tanta satisfacción al comprobar el resultado.

Obviamente, y tratándose de una banda de esta enjundia había que repetir audiciones, y según fueron cayendo las sucesivas escuchas una y otra vez, el globo conformado por las once canciones se fue hinchando con más y más fuerza, hasta que uno ya se sabía las canciones de carrerilla y no era capaz de soltar el disco del reproductor, sintiéndose atrapado entre la voz de Robin Zander y las armonías que el veterano cantante teje con su grandiosa voz y los contagiosos riffs del cuasi septuagenario guitarrista Rick Nielsen.

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Lo que casi nunca ha fallado en Cheap Trick que son los himnos ajenos al paso del tiempo, vuelven con fuerza nuevamente, repartiéndose la autoría de las composiciones los miembros de la banda con el productor Julian Raymond, como ya ocurriese en "The Lastest" a finales de la pasada década.

En "Bang Zoom Crazy...Hello" tenemos a esa banda que castiga a base de Rock Duro ("Do You Believe Me") y del mejor y más refrescante Power Pop ("Heart On The Line"), capaces de encontrar su sitio entre el "Magical Mystery Tour" de los Beatles y la ELO ("When I Wake Up Tomorrow"o "Sing My Blues Away"), sintiéndose joviales con "Blood Red Lips" (el nuevo himno para el próximo Greatest Hits) y no lanzando nunca el balón al travesaño, ya que este nuevo disco vuelve a ser un golazo de la banda por toda la escuadra.

Una pena la baja de Bun E Carlos, el mítico batería del bigote y el cigarro pegado a los labios se ha quedado en casa, comentan que su mala relación con Zander ha sido el detonante para que Daxx Nielsen (Hijo de Rick) ocupase su puesto; ese es el único pero que se puede poner a Cheap Trick; el resto sigue estando a la altura de una banda que no pide la jubilación como otras, ellos, Los Trick, ni fallan en vivo ni en disco.

General Custer...Rides Again





jueves, 12 de mayo de 2016

RUSH: 2112

Si por algo se ha caracterizado a RUSH es por su ausencia de prejuicios a la hora de afrontar cambios en su música y, sobre todo, por poseer un sentido de la integridad que les ha proporcionado una independencia de la que pocos, muy pocos, pueden presumir en su carrera.

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40 ANIVERSARIO
Dicen que todo el mundo tiene un precio, pero RUSH se negaron a pagarlo cuando "Caress Of Steel" cosechó malas críticas en comparación con los dos anteriores trabajos y las cosas fueron tan mal, que a la gira la llamaban "Down By The Tubes".

Recibieron presiones por parte de su discográfica para que recortaran los temas largos que podían llenar una de las caras de un vinilo y, ¿Su respuesta? Jugarse a una carta su carrera discográfica con "2112", cuyo tema título se explayaba durante los veinte minutos que ocupan su cara A.

"2112", el tema, es toda una una declaración de principios en la que la inspirada pluma de Peart narra la lucha de un individuo contra un sistema que coarta la libertad creativa y acaba con él pero no con sus sueños. Una situación que, obviamente salvando las diferencias, bien conocían los canadienses.

Un buen concepto sin un desarrollo que esté a la altura se queda en una simple buena idea, pero aquí la simbiosis entre ambos es perfecta. La potencia y grandiosidad de "Overture" le dejan a uno noqueado.

Lee, Lifeson y Peart sientan las bases de lo que derivaría en el Metal Progresivo que a tantos grupos ha influído. La epopeya pasa por todo tipo de diferentes intensidades que transmiten al oyente el misterio y curiosidad del descubrimiento de la guitarra que pertenecía a una antigua y más feliz civilización por parte del protagonista, la rabia e impotencia que sufre al presentarla ante los sacerdotes, la desesperación que le provocan estos con su desprecio que le lleva al suicidio y la triunfal y liberadora llegada de esa antigua civilización que se culmina con el mítico "Attention All Planets Of The Solar Federation...We Have Assumed Control". Toda una montaña rusa ejecutada con una precisión, garra y potencia que sólo un grupo totalmente convencido de su potencial podía ejecutar y que hace vivir al oyente una experiencia musical y vital.

Lifeson, Peart y Lee, "Jedis" del Prog Rock
Pero el disco no es sólo el antológico tema título (aunque es obvio que nada puede igualar la experiencia ofrecida por tan abrumador despliegue de genialidad), en su segunda cara tenemos temas que ofrecen otras facetas y no están exentos de calidad.

Canciones como "A passage To Bangkok", cuya recreativa letra sobre sustancias psicotrópicas a lo largo y ancho del mundo es lo más cercano a una polémica de sexo, drogas y Rock And Roll que han tenido en su historia y es un viaje de Rock bastante directo con arreglos que le dan un aíre cosmopolita.

"The Twilight Zone" tiene la atmósfera de la serie de TV en la que se basa su letra, sobre todo en su susurrante y misterioso estribillo, en el que además Lifeson se marca un buen solo.

"Tears" es seguramente el punto que algunos consideran menos conseguido pero desde luego no es malo, y es una bonita balada con unos arreglos de melotrón todavía tan en boga en aquella época.

Y el broche final con el hímnico "Something For Nothing", su arrolladora y enérgica electricidad y una brillante nota de Peart en la letra con ese "You Don´t Get Something For Nothing, You Can´t Have Freedom For Free" te hacen subir la adrenalina una vez más.

RUSH desafiaron las imposiciones, sentaron cátedra y se convirtieron desde entonces en lo que algunos llaman el grupo de culto más grande del Rock, yo diría que son Dioses en el Olimpo del Rock.

Albytor